DIGITAL LIFE Immersive Exhibit

Posted on 2016-10-132021-01-20 by Silvana Lazzarino

DIGITAL LIFE 2016

I linguaggi dell’arte contemporanea incontrano le nuove tecnologie

L’arte visiva nelle sue diverse accezioni che vanno dal disegno alla fotografia, dalla pittura al gesto corporeo, dal video al digitale, crea nuove possibilità espressive atte a suggerire una forma di comunicazione immediata e atemporale.

DIGITAL UFE Roma Macro Testaccio La Pelanda

Il video, il digitale, l’uso delle più sofisticate tecnologie per riprodurre qualsiasi forma di immagine fissa, in movimento, vicina e lontana, compresi suoni o rumori, ha permesso di ampliare il campò dei linguaggi delle arti con risultati efficaci sul piano della riproduzione che in molti casi supera il reale.

A ripercorrere le connessioni tra i linguaggi artistici contemporanei e le nuove tecnologie è la rassegna Digitallife Immersive Exhibit 2016, promossa dalla Regione Lazio e Roma Capitale -Assessorato alla Crescita Culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, in corso a Roma al Macro Testaccio- la Pelanda (in Piazza Orazio Giustiniani), fino al prossimo 27 novembre 2016.

Il progetto Digitalife, alla sua settima edizione, che si inserisce all’interno del Romaeuropa Festival dedicata all’interazione tra discipline artistiche, ricerca scientifica e nuove tecnologie, parla di fluidità e immersione attraverso installazioni, sculture di artisti tra cui; Shiro Takatani, Christian Partos, Kurt Hentschläger e gli italiani NONE. Ciascun artista con modalità e risultati differenti attraverso l’uso dell’audiovisivo, il digitale, l’elettronica creano interazioni tra reale e virtuale, proiettando lo spettatore verso un possibile “altrove” immersivo, utopico e allucinatorio,

DIGITAL LIFE

Installazioni multimediali, ambienti di acqua e luce, e anche combinazioni sonore, opere interattive propongono una nuova idea di ambiente, interpretazioni futuristiche e talora avveniristiche in cui dialogano le diverse tipologie espressive del contemporaneo tra tecnologia e arte.

Tecnologie digitali, spessore performativo caratterizzano l’opera del giapponese Shiro Takatani tra i fondatori di Dumb Type e di Christian Partos, entrambi maestri nell’uso del 3D Water Matrix, ovvero un’enorme macchina robotizzata che dà forma a sculture d’acqua in tempo reale creando una continua illusione di forme e immagini. In ST/LL di Shiro Takatani piccole gocce d’acqua costruiscono delle vere e proprie animazioni che sfidano la gravità e rimpiazzano i pixel abituali del cinema digitale. Tale opera restituisce una cascata d’acqua controllata da 900 valvole a loro volta programmate da un computer animato da una luce a creare sorprendenti visioni. Christian Partos con Sorcerer’s Apprentice usa le 900 valvole elettroniche di 3D Watermatrix per creare figure che abitano lo spazio in una danza fluida.

L’austriaco Kurt Hentschläger presenta Zee, una vera e propria immersiva che invita lo spettatore ad esplorare un ambiente astratto e allucinato: un ambiente nebbioso in cui non si riconosce e individua nulla, ma che grazie a stimoli luminosi lo stesso spettatore riesce ad immaginare e captare delle rappresentazioni astratte e allucinatorie. Esasperazione delle potenzialità del virtuale quale punto di forza, ma anche di debolezza, di verità e finzione, che può destabilizzare affiorano nel lavoro del collettivo italiano NONE (Gregorio De LucaComandini, Mauro Pace e Saverio Villirillo) che in questo contesto presentano l’opera DeepDream_Act II, dove sono previste associazioni visive grazie all’immaginario collettivo capace di

DIGITAL LIFE

mettere l’essere umano all’interno dello streaming dati che egli stesso produce, condivide e subisce per poi perdere ogni riferimento spazio-temporale. L’opera ruota sull’immagine elettronica nella sua forma triviale e sul ruolo del web quale fonte e distributore di vouyerismo e futilità. Così le sensazioni e ossessioni virtuali sono amplificate all’infinito grazie all’uso di video, specchi e luci immergendo lo spettatore in uno spazio d’immagini volatilizzate come in un sogno profondo.

Rappresentazioni di spazi e ambienti naturali, luoghi ideali e immaginari sono ricostruiti attraverso apparati e installazioni, video, sequenze di suoni che restituiscono un nuovo modo di pensare il rapporto dell’uomo con le tecnologie di cui spesso è schiavo. Le immagini nella loro più vasta accezione, riprodotte e rielaborate da sistemi legati alle nuove e sofisticate tecnologie digitali diventano specchio di una realtà in divenire restituita in tutte le sue forme e manifestazioni, trasformata per immaginarla sotto altra luce.

Silvana Lazzarino

DIGITALLIFE 2016

Immersive Exhibit

Roma MACRO, La Pelanda – Centro di produzione culturale

Orario: da martedì a sabato ore 16.00-20.00

domenica ore 11.00-19.00

Fino al 27 novembre 2016

Informazioni telefono 06 45553000

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MANFREDI BENINATI

Posted on 2016-06-242021-02-11 by Silvana Lazzarino

MANFREDI BENINATI IN MOSTRA ALLA GALLERIA POGGIALI E FORCONI A PIETRASANTA

Aperture verso distese luminose che si alternano a vedute crepuscolari dove ogni oggetto, figura, elemento naturale sembra perdere i contorni suggerendo richiami all’astrazione per una visione onirica proiettata nel ricordo, appartengono all’arte di MANFREDI BENINATI artista contemporaneo giù noto al grande pubblico con diverse mostre di grande intrese per la capacità di creare una forte interazione visiva ed emotiva. Nato a Palermo nel 1970, dopo essersi dedicato agli studi di legge e poi di cinema collaborando con noti registi italiani, Manfredi Beninati intraprende l’attività artistica dedicandosi dapprima al disegno poi alla pittura e alla scultura.

MANFREDI BENINATI
mostra Galleria Poggiali e Forconi
Pietrasanta

La sua opera tra dipinti, installazioni si sofferma sul significato dell’esistenza in cui si trovano tracce del passato che affiora e quel desiderio di cambiamento con al centro l’uomo. Un uomo spesso dibattuto tra ciò che era e ciò che potrebbe essere, tra il passato che torna e il cambiamento che potrebbe aprissi innanzi; un uomo con le sue paure, le sue angosce e il desiderio di guardare oltre. All’interazione tra disegno, pittura e scultura BENINATI dedica la sua opera appositamente realizzata per lo spazio di Pietrasanta della Galleria POGGIALI e FORCONI in Via Garibaldi, visibile al pubblico dal 25 giugno 2016 .

Entrando nel contesto visivo/emotivo dell’opera di Beninati lo spettatore a partire da uno sguardo proiettato verso spazi a lui vicini e lontani, è stimolato ad osservare ogni singolo aspetto della realtà quotidiana e a cogliere gli orizzonti di una natura in trasformazione. Immagini rarefatte quasi impalpabili dove le figure sembrano appartenere ad una dimensione onirica danno una percezione instabile di una realtà in costante trasformazione, dove tutto può cambiare. Immagini legate a spazi naturali, oggetti, figure umane affiorarono quasi in filigrana come percezioni remote di pensieri che appartengono alla vita dello stesso artista.

MANFREDI BENINATI
mostra galleria Poggiali e Forconi

La mostra Manfredi Beninati Sunday 16, july 1975 / 2010 /2016/che inaugura la serie di eventi Pietrasanta unique dove ogni artista sarà invitato di volta in volta a realizzare un’opera appositamente per lo spazio di Via Garibaldi, guarda al motivo della memoria, in particolare alla riattualizzazione della stessa. Riattualizzazione della memoria che avviene attraverso il richiamo ad un luogo e l’evocazione geografica di un evento resa con sculture in bronzo mezzi busti, che dialogano senza soluzione di continuità con una su’opera realizzata nel 2010 “Sunday 16, july, 1975”, qui riattualizzata per attivare la metamorfosi mnemonica.

Entro questa “metamorfosi mnemonica” che permette il riappropriarsi di un tempo passato, i profili delle stesse sculture sembrano quasi diventare sfuggenti, indefiniti e talora abbozzati, ad indicare la difficoltà di dare una precisa collocazione ai passaggi del tempo accentuando così una possibile interazione tra contesti diversi.

Manfredi Beninati

Come per queste sculture anche disegni e dipinti mostrano linee e profili non sempre definiti: figure e immagini appartenenti a diversi ambiti si sovrappongono dando luogo a rappresentazioni con richiami al fantastico all’immaginario dove prende forma una visione onirica legata alla memoria e filtrata dall’azione del tempo dove si alternano scorci luminosi e altri crepuscolari.

Le figure sembrano spesso emergere da uno sfondo irreale, onirico in cui ci si perde e ci si ritrova come sospesi nell’orizzonte dei ricordi. Anche per le installazioni come per la pittura gli spazi sono rarefatti come set disabitati, luoghi spesso inaccessibili che si mostrano allo spettatore tramite fessure o vetri oscurati quasi a richiamare una sorta di voyerismo che supera e si contrappone all’indefinitezza del ricordo..

Tra le recenti mostre personali di Beninati ricordiamo: Flavio and Palermo (in the summer), James Cohan Gallery, New York, 2007; La lettera F, American Academy in Rome, Roma, 2007; Dicembre 2039, Max Wigram Gallery, Londra, 2010; Le voci di dentro, FPAC, Palermo, 2011; l’esposizione presso Cura Project Space, Roma, 2011.Da sottolineare anche il Rome Prize dall’American Academy di Roma.

Silvana Lazzarino

MANFREDI BENINATI

Sunday 16, july 1975 / 2010 /2016/

Galleria Poggiali e Forconi / Pietrasanta

Via Garibaldi, 8.

Orario: martedì – domenica 9.30 – 12.30 / 18 – 24

Inaugurazione sabato 25 giugno 2016 ore 19.00 – 24.00

dal 25 giugno al 15 luglio 2016

per informazioni: www.poggialieforconi.it

Ingresso libero

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RONDINONE

Posted on 2016-06-062021-02-20 by Silvana Lazzarino

RONDINONE E LA SUA OPERA DOVE GIORNO E NOTTE SI COMPLETANO

DUE INSTALLAZIONI TRA IMMAGINAZIONE E SOGNO IN MOSTRA A ROMA

AL MACRO TESTACCIO E AI MERCATI DI TRAIANO

Entro gli aspetti più ordinari della realtà tra verità e finzione, entro gli ipotetici confini dell’immaginario e del sogno come a creare alchemiche percezioni visive ed emotive, conduce l’arte di uno tra i più interessanti protagonisti dello scenario contemporaneo UGO RONDINONE: svizzero di origine ( Brunnen 1964 ), attivo tra l’ Europa e New York. Attraverso i linguaggi della pittura, della scultura, della fotografia, del video e ancora delle installazioni che sembrano dare eternità ai luoghi in cui prendono vita, Rondinone ha cercato di esplorare le sottili metafore che si celano nelle alterazioni e nei ritmi degli elementi interessandosi ai fenomeni naturali e fisici. Il colore è motivo centrale della sua opera in particolare quello brillante che attraversa le installazioni di ampio respiro come ad esempio quella realizzate per il deserto del Nevada non lontano da Las Vegas, nel bel mezzo della Ivanpah Valley.

UGO RONDINONE
Mostra – Macro Roma

Attento ai fenomeni ambientali dove gli elementi creano sinergie, egli da vita a delle combinazioni originali e di grande effetto tra il lato naturale e quello artificiale in una sorta di interazione tra la land art e la pop art Ed è in questa direzione entro cui esplora la combinazione tra aspetto naturale e artificiale, tra antico e moderno che poggia il lavoro realizzato per i due spazi del Macro di Roma.

Entro una visione concettuale ed evocativa si orienta questa suggestiva installazione che trova il suo essere e sviluppo nei due spazi istituzionali più prestigiosi della Capitale: il Macro Testaccio e i Mercati di Traiano. La mostra, UGO RONDINONE. Giorni d’oro + Notti d’argento, curata da Ludovico Pratesi e promossa da Roma Capitale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali sarà inaugurata giovedì 9 giugno nei due spazi sopraindicati e resterà aperta fino all’11 settembre 2016. . Essa presenta un percorso centrato su due grandi installazioni ambientali concepite come due cicli opposti e complementari “giorni d’oro + notti d’argento” che ridisegnano una dimensione fantastica entro cui lo sguardo del visitatore si proietta e si perde per poi ritrovarsi. Si perde nelle

UGO RONDINONE
mostra Macro
Giorni d’oro + Notti d’argento

fantasticherie di luoghi lontani e immaginari e si ritrova nei suoi sogni notturni che talora fanno affiorare l’ombra evanescente del ricordo, del desiderio sopito . Luminoso, fino a diventare abbagliante si presenta l’ambiente del padiglione 9B di Macro Testaccio dove domina una grande installazione “vocabulary of solitude, 45 clown” che indica nei volti dei 45 clown, 45 diverse posture, ovvero i diversi, momenti della vita quotidiana denunciando allo stesso tempo l’allucinazione della solitudine umana. Seguono gli arcobaleni disegnati dagli studenti delle scuole di Roma, coinvolti direttamente dall’artista in collaborazione con il Dipartimento Didattica del museo. L’altra faccia definita con “Notti d’argento”, negli spazi dei Mercati di Traiano mostra per la prima volta in Italia, un gruppo di 5 calchi di ulivi millenari ancora presenti in Puglia e in Basilicata, in alluminio verniciato di bianco. Essi sono un evidente richiamo ad un’epoca preistorica nel ricordare una foresta pietrificata. In questa flora fossile passato e presente si incrociano, come anche naturale e artificiale, storia e preistoria. Questa installazione sarà a Parigi nel 2016 in occasione della FIAC. a Place Vendome. L’installazione è anche un omaggio a Matera terra di origine della sua famiglia stabilitasi in Svizzera.

“Giorno e notte” si contrappongono, ma possono anche dialogare.: l’esplosione dei colori intorno all’immaginario di un uomo nella sua giornata di 24 ore al MACRO Testaccio si oppone al monocromo/bianco degli alberi dell’installazione ai Mercati di Traiano, concepita come allegoria delle fasi lunari dei 12 mesi.

Silvana Lazzarino

Ugo Rondinone

giorni d’oro + notti d’argento

a cura di Ludovico Pratesi

Inaugurazione: giovedì 9 giugno 2016,

ore 18.00 MACRO Testaccio Padiglione 9 B, piazza Orazio Giustiniani, 4 Roma

ore 19.00 Mercati di Traiano, via Quattro Novembre 94

Orario:

Mercati di Traiano via Quattro Novembre 94, Roma

da lunedì a domenica, dalle ore 9.30 alle ore 19.30 (ultimo ingresso alle ore 18.30)

10 giugno – 1 settembre 2016

MACRO Testaccio, Padiglione 9B, piazza Orazio Giustiniani 4, Roma

Orario; da martedì a domenica dalle ore 14.00 alle 20.00 (ultimo ingresso alle ore 19.30).

Lunedì chiuso.

dal 10 giugno all’11 settembre 2016

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ART SWEET ART

Posted on 2016-05-112021-02-25 by Silvana Lazzarino

Art Sweet Art per un “collezionismo “partecipato

L’immaginario visivo dell’arte contemporanea nei suoi diversi linguaggi e spazi di azione rende possibili percorsi unici in cui passato e presente, memoria e attualità si intrecciano. L’interesse sempre vivo e in crescendo per l’arte contemporanea che utilizza la fotografia, il digitale, il video, la performance risiedé nella capacità di coinvolgere corpo e mente raccontando con uno stile incisivo e immediato, spesso essenziale, ma sempre originale, aspetti legati al vissuto umano e sociale tra quotidiano ed extraquotidiano, visibile e invisibile.

Leonardo Petrucci, Archeometra, 2013.

A promuovere l’arte contemporanea è l’interessante iniziativa Art Sweet Art un progetto che prevede la realizzazione di opere d’arte appositamente per abitazioni private accessibili al pubblico. Un’occasione per avvicinare l’arte al vissuto umano e scoiale di tutti i giorni, mettendo direttamente in relazione l’artista con le persone interessate all’opera che diventano dei veri e propri “committenti”.

Il progetto di Art Sweet Art sarà presentato a livello nazionale presso la Stazione Leopolda di Firenze il 12 maggio 2016 in occasione del prestigioso Festival Fabbrica Europa che da trentadue edizioni promuove le arti e i linguaggi espressivi del contemporaneo ospitando gli artisti più innovativi.

Mediante l’uso di una piattaforma ideata da Laura Caruso e Saverio Verini si vuole favorire il rapporto diretto tra artista e pubblico il quale viene direttamente coinvolto nei processi creativi dell’opera

ART SWEET ART Francesco Ciavaglioli, Vita quieta, 2016.

diventando una sorta di custode della stessa, nonché suo promotore. Si tratta di una piattaforma dedicata a residenze d’artista in abitazioni private, attraverso cui i diversi proprietari di abitazioni possono individuare ed entrare in contatto con l’artista prescelto tra quelli indicati in quanto aderenti al progetto che poi saranno ospiti presso la casa del committente per l’intera fase di progettazione e realizzazione della stessa opera. Dalla fase di pianificazione e progettazione della tipologia di intervento entro gli spazi abitativi si passa poi alla realizzazione dell’opera con la possibilità di favorire la disseminazione del progetto attraverso una serie di laboratori e workshop che lo stesso artista potrà tenere sul territorio a partire dalle scuole, e attraverso incontri per far conoscere la propria poetica anche ai conoscenti dei proprietari di casa e a chiunque sia interessato. Un momento particolare dedicato alla comunicazione è durante l’inaugurazione dell’opera, che può diventare occasione di scambio di idee e socializzazione con il vicinato, amici, conoscenti, curiosi e appassionati d’arte.

Dodici finora sono stati gli artisti che hanno aderito al progetto: Francesco Capponi (1976), Lorenzo Cianchi (1985), Francesco Ciavaglioli (1983), Federica Gonnelli (1981), Manuela Mancioppi (1976), Ilaria Margutti (1971), Leonardo Petrucci (1986), Marta Primavera (1979), Carla Rak (1978), Giorgio Tentolini

ART SWEET ART
Carla Rak, La mano morbida, 2014.

(1978), Carlo Trucchi (1981), Maria Teresa Zingarello (1985). Artisti dai profili diversi, con linguaggi e stili eterogeni che procedono dall’installazione alla pittura, dalla performance alla fotografia, dalla scultura al video, al fine di rispondere alle esigenze e ai gusti di ogni “collezionista”.

Attraverso il sito artsweetart.net, oltre ad avere informazioni sugli artisti, si può attingere ad un’ampia documentazione sulle loro opere e la loro collocazione presso le diverse abitazioni private in varie città. E’ possibile anche vedere direttamente i lavori realizzati dagli artisti prendendo contatto con le famiglie committenti che accoglieranno presso le proprie abitazioni quanti interessati a saperne di più dell’incontro con gli stessi artisti, delle loro opere e del percorso che ha portato alla loro realizzazione.

L’incontro sarà un’occasione per parlare al pubblico del progetto e mostrare l’esito della prima residenza – una sorta di “puntata zero” – effettuata in forma sperimentale dall’artista Francesco Ciavaglioli ad Arezzo. La presentazione presso la Stazione Leopolda offrirà la possibilità di conoscere da vicino gli obiettivi di Art Sweet Art, la rosa degli artisti e il modello di sviluppo del progetto che idealmente punta a una diffusione su tutto il territorio nazionale.

Silvana Lazzarino

ART SWEET ART

Presentazione nazionale

Stazione Leopolda

Firenze- Viale Fratelli Rosselli, 5

Giovedì 12 maggio2016. ore 18.00

Ingresso libero

Per informazioni: press@artsweetart.net

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SOGNI D’ORO

Posted on 2016-05-012021-02-23 by Silvana Lazzarino

SOGNI D’ORO: PERCORSO NEI SENTIERI DELL’IMMAGINAZIONE

ATTRAVERSO LE OPERE DI ARTISTI CONTEMPORANEI

Il Sogno appartiene all’uomo, a quel tessuto emotivo che lo tiene ancorato a quella parte più sensibile di sé dove prende forma l’immaginazione.

I sogni aiutano a vivere e attraverso essi si da voce a stati d’animo dimenticati, silenti, a quelle zone d’ombra abitate dall’inconscio che del sogno è la parte più imperscrutabile. Sono i sogni e la capacità di creare alienazione a dare voce a quei luoghi del pensiero che riportano a realtà immaginate, forse lontane eppure vicine se si trova l’occasione per ascoltarle. I sogni aprono ad un luogo non luogo dove spazio e tempo sono come sospesi e inizio e fine coincidono. Il sogno permette di recuperare accanto ai flussi del tempo della memoria cui far riferimento nel presente, anche quel senso di libertà con cui si vola alto per

mostra Sogni d’oro

dare spazio all’immaginazione attraverso cui percepire un domani forse diverso a partire da quello che si è oggi.

Al sogno che nelle sue diverse sfaccettature rende libero il pensiero e dona spensieratezza recuperando spontaneità e autenticità, è dedicata la mostra tutta in veste contemporanea dove protagonisti sono cinque artisti internazionali. La mostra SOGNI D’ORO curata dalla gallerista ed esperta d’arte Ariane C-Y (Ariane Chauffert-Yvart) in linea con il fenomeno della “pop gallery”, sostenuto dalla stessa curatrice, intende dare una maggiore visibilità all’attività di artisti di talento portando le loro opere oltre il contesto fieristico, entro spazi istituzionali grazie ad un’operazione di ricerca e di soluzioni più dinamiche e flessibili rispetto a quelle previste per gallerie tradizionali. Ariane C-Y (Ariane Chauffert-Yvart) attiva a Parigi e nel mondo, oltre a curare mostre e progetti, esporta la sua idea di galleria “pop up” presso istituzioni prestigiose come il Musée Beelden aan Zee in Olanda, il Moscow Museum of Modern Art e lo ZARYA Center of Contemporary Art Vladivostok in Russia.

mostra Sogni d’Oro

La mostra collettiva, nata dalla collaborazione tra AlbumArte e la galleria pop-up Galerie Ariane C-Y di Parigi, propone le opere realizzate da artisti internazionali ispirate al tema del sogno e dell’immaginario che dallo stesso sogno prende forma. Negli spazi di Album Arte, a Roma, dal 5 maggio fino al 22 luglio 2016, i francesi Guillaume Castel, Raphaël Thierry e Samuel Yal, lo spagnolo Ivan Cantos e l’inglese William Wright, propongono sculture, dipinti e disegni -di cui alcune create appositamente per la mostra- centrate sul tema del sogno, che in modi diversi aprono ad un dialogo tra le emozioni dell’uomo e il concetto di liberta individuato nei luoghi vicini e lontani della natura che diventa parte integrante dei loro stessi lavori. L’esposizione prevede anche, in linea con i progetti di Album Arte, incontri e visite guidate rivolte ad un pubblico adulto tra esperti e addetti al settore, appassionati e non per avvicinarli in modo nuovo al linguaggio dell’arte contemporanea. Saranno anche organizzate visite con gli studenti dell’Accademia di Belle Arti e studenti universitari.

GUILLAUME CASTEL (Bretagna, 1980 dove vive e lavora) guarda in particolare ai paesaggi della sua regione per dare forma ad opere in cui il legno, il cemento e l’acciaio modellati secondo figure geometriche descrivono la fragilità e l’eleganza della stessa natura. I paesaggi diventano luoghi privilegiati anche per

mostra Sogni d’Oro

WILLIAM WRIGHT (1971) che racconta la poesia delle emozioni tra sospensioni intime e malinconiche dove lascia che a dominare sia il silenzio. Verso un’indagine concettuale si orienta l’opera di RAPHAËL THIERRY (1972) pittore, disegnatore e scultore che nei suoi ritratti, nudi e paesaggi esplora la luce e il suo definire il rapporto tra figure e spazio. All’individuo ai suoi stati d’animo si rivolge IVAN CANTOS (1967) attraverso ritratti a mezzobusto o figura intera per raccontare un mondo interiore dove abitano nostalgie, sogni, delusioni aspirazioni. Anche all’individuo guarda lo scultore francese SAMUEL YAL (1982) che attraverso la porcellana, materiale che predilige, da forma a sculture che invitano a riflettere sul senso della vita, sulla presenza e assenza dell’uomo, sul suo essere nel mondo nelle scelte fatte o subite.